马克笔手绘表现石头，木地板，砖路材质教程

大家可能会对材质的表现感到很头痛，因为我们都会认为在绘制材质的时候需要一笔一画的绘制才能充分表现材质的细节，其实这混淆了摄影和绘画的概念。 抬头看一下你周围的景物，无论是近景还是远景，等你目不转睛的注视一个物体时，视野边界的景物变得十分模糊。人们观察物体是凭印象的，在你做设计时，也可以采用印象主义，使用略图的方法比一笔一画可以省略很多时间和精力。
马克笔表现石头：
现举例说明，看下面这张照片原图：
下面是短时间内完成的一张效果图，用几种颜色在马克笔底色上绘制石块细节信息，最后用黑色马克在石缝中加入阴影,搞定!!


马克笔表现木质地板：
先用铅笔绘制辅助线，用不同颜色的马克笔穿插绘制。
在水平方向用和马克笔详尽的铅笔随机加入线条，然后是浅桃色铅笔给整个地板表面上色处理。再使用深棕色铅笔给座椅阴影上色，最后用白色铅笔绘制窗户反射效果
马克笔表现木质砖路：
这是典型的人字形铺装。用红木色马克绘制底色，是按照与水平呈45度角方向绘制。如果你掌握不好可以通过辅助线来找45度的消失点（注意图上的铅笔辅助线，H代表水平方向）。通过两边的45度交叉刷色，可以在表面绘制出栅格纹理效果，注意马克笔是怎么样使路面呈现一种砖块铺装效果的。再使用灰绿色马克在路面加入一点颜色，如果整个色调太重，用很浅的灰色马克刷淡基色浓度（注意中间颜色变浅部分）
用深棕色马克在路面加入植物阴影，路面人字形花纹是2H铅笔绘制，前面用较完整线条，后面用点划线。注意阴影里的纹路是用灰色铅笔绘制的

日本设计师马克笔室内手绘图教程

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素描线条的演变

1.线条的解放：(安格尔对绘画线条的革新) 　　(1).在古典主义法则笼罩之下，线条本身除了被用作『完美比例』的度量外，它的功能是被抑制的。 　　(2).安格尔最大的贡献便是打破将线条仅限于对物象比例描绘的限制，而拓展到图案花纹的形式。 　　(3).对安格尔而言，人体的比例并不求自『自然』或实证的实现，他运用曲线在画面上探求人体之比例位置与姿势。这种直接运用线条在画面的处理，强调画面的平面性，使事物本身之重要性，附属于形式要求之下。 　　(4).讲求结构与形式，而不惜更改事物原有比例以配合整体视觉完整，同时并介入了图案花纹式之构图。 　　2.强调线条本身意义与表达的特质。 　　3.线条的运作成为个人内在律动与情感的抒发： 　　(1).一个线条在画面的行进的痕迹，乃接受自创作者内在自发性律动的影响。 　　(2).德拉克洛瓦将个人感情强烈投射在线之运用，不只将线条的功能远脱离古典传统，并将素描积极推向绘画，使绘画上明显笔触的物质性增强，奠定现代绘画发展的基础。

素描的地位

1.素描为一门独立的艺术，具有独立的地位和价值。 　　2.素描是其它艺术的必然基础，尤其是水彩，油画，版画，雕刻(浮雕)，另外对平面设计，也是画草图的必要基础。素描虽然被视为是两度空间的艺术，不需要颜色及第三度空间，却也同时暗示这两者。 　　3.素描是画家工作的最后成果，也可以作为复制或摹写的基础，但以它的性质而言，它是独特的。虽然各种艺术不一定都要先绘出素描稿，但素描却是一切观赏艺术的基础。在作画时往往预先勾出轮廓作为草稿，然后用色彩渲染，当艺术作品完成时，素描稿常被掩没或销毁。因此，素描只是一种技术准备。到14世纪末，素描不再仅是附属品，而成为一门独立的艺术。它有着广泛的表现范畴：能表现体积、空间、深度、实质和动作。文艺复兴以后，素描已不仅只有实用地位，而是成为能代表人类创作能力的艺术品。

浅谈水粉静物写生有感

水粉静物画，通过对各类器皿、花卉、瓜果和其它日常用具等描绘，表达了对生活的热爱，抒发作者的情感。水粉静物画可采用湿画法、干画法、湿干结合画法，它色泽艳丽、柔润、饱和，表现力度较强，又是在较稳定的光线下进行，这种相对静止的光线提供了十分有利的表现条件，所以水粉静物写生是认识，研究，掌握色彩的有效方法之一。学好水粉静物画有感以下六个方面。一、理解是根本有这样的说法，画画凭感觉去画，没什么好说的，我认为，对于有经验的人来说，只需凭感觉去画，或许有一定道理，但对初学者而言，不明白画理作画，只能称谓"涂颜料"，理解就是在作画前和作画过程中，不断地去弄懂形体结构、透视变化规律，以及什么是明暗层次，色彩关系指什么，表现技法和要领有哪些等。尤其至为重要的是在色彩训练中必先弄懂素描关系是怎么有机结合的？哪一部是光源色，哪一部是固有色，哪一部是环境色，怎样去掌握色彩的三要素，怎样去调整色块等，弄懂了这些道理后才能做到胸有成竹，所以画画绝非是简单的技术训练，而是艰苦的思维劳动，否则貌似勤练，但收效甚微。二、整体是关键初学写生者，最感兴趣的往往就是如何表现好一个局部，热衷于一个局部一个局部去拼接画面，如果画一组橘子，不是和背景桌面及左右前后的橘子整体比较，整体考虑，全面展示，全面推进的表现，而是一个个分割地逐个表现，某一部位画得已很具体，而另外的纸面还是一片空白，等待纸面全部填满后却成了一幅主次不分，没有前后，没有虚实空间，没有统一色调或灰或花或乱的失败之作，这种分割的表现局部拼接的相加表现方法，显然是进步缓慢的症结所在。凡是艺术作品，都必以完整的效果给人们以整体美感，即使画面上有某一精到的局部，如果缺乏整体效果，这样的局部仍是不可取的。作画时应该笔东眼西，左顾右盼，反复比较，全面推进，不仅在素描训练中如此在水粉静物写生中道理亦然。三、比较是法宝。和其他绘画艺术一样，水粉静物写生训练，必须依靠和运用比较观察、表现色彩的法宝，当画面的基本色调确定之后，运用比较方法才能确定各个局部的色彩差异，通过比较才能判断每个道具，每个部位的明度、纯度、冷暖色相。四、区别黑白灰。所说的黑白灰关系，是指色彩的明度对比关系，这是个直接关系到画面的整体效果问题，一幅成功的静物作品，都能拉开大的黑白灰对比，深的深，亮的亮，中间色起到与黑白之间的协调和互衬作用，远着层次分明，画面响亮而有精。周总理生前曾嘱咐美术工作者："要让作品看时惊心动魄"只有把握大的明暗对比关系才能惊心动魄，才能抓住观众第一印象。所以区分好黑白灰关系就处于举足轻重的地位。区分黑白灰，要求在作画时首先考虑确定出深色亮色及很多不同层次但暂且归纳成一个大色区的中间色，以及它们的对比度和分布区域，这样就能控制色块的明度所属，避免色彩紊乱，实际上也是把握画画整体效果的一个方法部署，这是完成色彩的一个重要环节。五、色块的组织正确的观察方法，要求先从大的色彩倾向来确定画面的色调，反过来这一色调的形成在粗略地整体观察下。会发现它是形状各异的色块组成这种不同的色度，色性，色相之间关系，就是一般所说的色彩构成，它是一幅色彩作业的基础，通过这种关系产生色彩特殊魅力，通过准确地调整才能使作业达到既有色彩表现又有形体塑造的理想效果。六、做到五先五后。水粉画是用水稀释含胶的粉质颜料，不时调入适当地白色作画种，按西画的光色原理去观察和表现物象的质感、体感、量感和空间感。所以根据水粉的性质总结出五先五后的程序：1、 先深后淡深色含粉质少，淡色含粉质多，如先画淡色用深色覆盖淡色就会将淡色中的粉底带上来，故意画脏画粉，也控制不了明暗层次和色彩的渐变层次，所以先深后淡为好。2、 先湿后干颜色欲深，不宜调入??鋷???
白色，只需用水稀释。颜色欲淡，必须调入白色，用水自然少，所以先深后淡必然是先湿后干。3、 先远后近远处明暗对比弱，色彩对比柔边线模糊，最宜湿画，近处边线清晰，明暗强烈，色彩艳丽最宜干画，所以先湿后干必然先远后近。4、 先灰后鲜色彩纯度变化丰富，从灰画到鲜，有利于对纯度的辨别和对色阶的渐变表现，有利于把握色彩的饱和程度，自然界的复色（灰色）占主导地位，画面上也是复色占较大面积，按照先大体后局部的作画原则，先灰后鲜，其理亦然。5、 先整体后局部写生的整个过程，始终要把握整幅画的整体效果，先整体既先画大的色块，大的黑白灰，层次物象的大的明暗面，注意物体与背景，物体与物体，桌面与物体的大明度纯度色相对比，后局部既在整体关系不断调整的基础上逐步进入细部刻画。客观世界丰富多彩千变万化，要准确而生动地用色彩来表现它们给人们以美的享受，就必须通过反复的写生实践，在实践中不断提高审美能力，才能不断提高表现能力，表现能力的提高反过来又促使审美能力的提高，这样形成良好的循环，作画者才能获得较大的进步！

图解思考之如何使表达更加专业

A. 线型
1. 雕琢笔尖
雕琢笔尖是一个基本的步骤，通过雕琢笔尖可以画出各种类型的线条。
2. 轻柔线条
轻柔线条边缘柔和、颜色轻浅，不同于颜色很深、轮廓分明的线条。事实上物体上并不存在线条。当作品完成时，轻柔的线条成了物体的一部分。这种线条常用于绘制人造物，如建筑和汽车等。
3. 变化线
变化线是一条粗细深浅都发生变化的线。它使画面显得很有立体感和真实感。常用来画树、人等有生命的物体。
4. 机械线
机械线是使用工具画出的，干净而爽快，快速而精确。
5. 徒手线
徒手线柔和而富有生机，可以很快的勾勒出小尺度的物体。它能充分调动你的右脑，是你更富有创造力。但徒手线的缺点是比机械线费时。
6. 重复线
重复线通过重复主线，可以使物体产生三维效果，并可以激发绘图者的创造力。
7. 结构线
结构线轻而细，用于初步勾勒物体轮廓框架。常使用结构线来推敲画面的整体布局，非常便于修改。
8. 连续线
连续线是一条快速绘出的、不停顿的线，用于快速勾勒物体轮廓。
9. 3-D线
粗细两条线离的很近时会产生三维的效果。有助于提高画面的质量。
10. 强调线
强调线，也叫轮廓线，用来强调物体的轮廓。由于强调线比较突出、随意，所以一般很少用在精细的作品中。但常用在平面、立面和剖面图中。
11. 顿—走—顿线
带有明确的起点和端点的线条使画面更加生动，而且使人产生线条粗细一致的错觉。
12. 出头线
出头线使形体看上去更加方正、鲜明而完整。画出头线显然比画刚好搭接的线来的容易而快捷，并可以是绘图显的更加轻松而专业。
13. 专业点
快速绘图时经常产生专业点，它使线条产生动感与活力，同时表示一段线条的完结。有点儿类似与句子中句号的作用。
14. 专业沟
线条中的一小段中断可以用来表达物体上高光的效果。也有利于在画长线和曲线时自然过渡。
15. 轮廓线与色调线
事实上，物体上并没有线条，因此，物体的轮廓线常用细线，稍微重一点，用来控制内部填充调子的线条。用来填充调子的线条一般粗而轻。
16. 粗线
使用粗线可以产生均匀的表面，粗线有助于很快的完成大体画面，并产生光华的效果。
17. 均匀线
现实生活中是没有线条的，因此，使用均匀线可以是效果更加真实。
18. 细线
使用细而轻的线条可以使画面变的柔和而生动。重线时常被使用在大的图中，因为他们比较容易辨认。
19. 越界
当使用渐变效果时，有意让一些线条与物体的轮廓线交叉，这样可以使画面产生柔和而随意的效果。
20. 45 °短线
45 °短线就是一系列与绘图页面成45度的短线。这种线可以使画面产生统一和流畅的效果。
21. 渐变
由于光的反射，渐变存在于任何物体之上。虽然人的眼睛不会很快的感受到渐变的存在，但我们仍然需要在绘图中体现这种效果来使画面更加真实。
22. 条纹
条纹用来刻画趣味中心、表现高光、深度、动感，打破呆板。也可以用来表达阴影和斜坡。条纹也能使画面更加流畅。
23. 点
点用来刻画纹理和细节，同时还能产生渐变效果。

手绘表现的艺术价值和魅力

【摘　　要】在环境表现的手段和形式中，手绘的艺术特点和优势决定了在表达设计中的地位和作用，其表现技巧和方法带有纯然的艺术气质，在设计理性与艺术自由之间对艺术美的表现成为设计师追求永恒而高尚的目标。设计师的表现技能和艺术风格是在实践中不断地积累和思学磨练中成熟，因此，对技巧妙义的理解和方法的掌握是表现技法走向艺术成熟的基础，手绘表现的形象能达到形神兼备的水平，是艺术赋环境形象以精神和生命的最高境界，也是艺术品质和价值的体现。　　【关键词】手绘表现、技巧、方法、艺术风格、美的境界、艺术价值。　　思维产生设计，设计由表现来推动和深化，环境表现以艺术形象的外化形式表达设计的意义。在设计程序中手绘表现是描述环境空间、形象设计更为形象直白的语言形式，它在设计程序中对创意方案的推导和完善起着不可替代的重要作用，是沟通与交流设计思想最便利的方法和手段，人可以通过手绘表现的便利通道来认识设计的本质内容和主旨思想。　　设计是表现的目的，表现为设计所派生，脱离设计谈表现,表现便成了无源之水、无本之木。但同时，成熟的设计也伴随着表现而产生，两者相辅相成互为因果。手绘表现是判断把握环境物象的空间、形态、材质、色彩特征的心理体验过程，是感受形态的尺度与比例、材质的特征与表象、色彩的统一与丰富的有效方法，是在设计理性、直觉感悟、艺术表现的嬗变过程中对创意方案的美学释义。　手绘表现因继承和发展了绘画艺术的技巧和方法，所以产生的艺术效果和风格便带有纯然的艺术气质，其手法的随意自由性确立了在快速表达设计方案记录创意灵感的优势和地位。

手绘与效果图表现技法的重要性

手绘效果图技法在古老的建筑学发展史上，文艺复兴时期的建筑师是全才，他们把设计与表现溶为一体；米开朗基罗既是建筑师，又是工程师，同时还是画家、雕塑家，在建筑教育的始祖布扎的理论中，建筑师要接受大量的渲染训练。随着现代建筑业的发展，社会需要精致性设计，从某种意义上，它需要的是精细的分工、各自发挥所长的就业模式，西方工业化国家早已经这样做了。近十年计算机及软件的成熟孕育了一批计算机绘图技术人员，国外早已出现、国内近些年也开始出现许多专业效果图及模型事务所，同时形成一个专业表现工作者队伍，他们是建筑师表现之手的外延------从某种意义上说他们的工作是对建筑师创造性工作的再创造。建筑装饰效果表现图因其创作绘制的专业性极强，并非一朝一夕所能驾驭，现国内外建筑画坛人材济济，已构成一个专门化领域，进而形成了一种新兴的行业，并有了培养这方面人才的专业学校。作为一名从事绘制室内效果图的技术人员，首先，应具有一定的建筑学知识。因为只有充分理解建筑设计的构思和意境方能着手进行室内设计效果图表现。同时，室内设计效果图的表现应严格符合建筑结构的逻辑性、空间形体的严密性和尺度比例的准确性。其次、必须具备一定的艺术修养和绘画基础。一个从事室内设计效果图的设计和绘制人员，其素描和色彩的功底深浅将直接影响表现图的水准高低。因其室内的尺度与人体更为接近，光照形式也较室外建筑复杂多变，所以对室内景物的表现就更为细致入微，光影的处理和质感的体现都达到了相当的难度。因此，一定的绘画功底是必不可少的。第三，具有娴熟的表现图技法。因为具备了一定的室内装修知识和相当的绘画基础，不等于就能创作出优良的表现图。其原因就是，建筑表现图的表现虽然同一般绘画有不少相通之处，但也有许多自身的特点。相对于纯绘画而言室内设计效果图更注重程式化的表现技法、它有许多严格的制约和要求，更多的强调共性而非个性表现，作画步骤也十分理性化和公式化。所以，若不熟练掌握室内设计效果图的一些基本原理和表现方法，即使具有相当的绘画能力，有时也不知如何着手，既快又好的画出具有征服力的室内设计效果图。一张优秀的室内设计效果图，必须是设计与表现设计师与画师共同创造的结晶。只有先诞生高品质的设计原型，再加上优秀建筑画师的表现，才能产生真正具有审美价值的建筑表现图。反之，二者缺一，就很难出现高质量的画面效果。室内装饰设计可通过工程制图、模型、文字说明及效果表现图等形式表达出来。其中，工程制图虽表现的最为确切，但由于其专业性太强而使一般未经专业训练的人很难读懂，尤其是为业主提供设计方案时，设计人员与业主之间对设计方案的理解常常不易沟通。模型，因直观性强，并可以从不同角度进行观察，在国内外设计领域内被广泛应用，但它却无法表现出建筑物所处的环境、气氛和材料质感，故而显得美中不足。文字说明是设计师设计的辅助手段，仅可以作为视觉形象的补充说明。上述三者都不如建筑表现图真实感人，具有说服力。建筑效果表现图具有的直观性、真实性、艺术性，使其在设计表达上享有独特的地位和价值，这一点已被我国近年来室内设计效果图艺术领域的飞速发展所证明。它作为表达和叙述设计意图的工具，是专业人员与非专业人员沟通的桥梁。在商业领域里，室内设计效果图，其优劣直接关系竞争的成败。建筑装饰设计表现图的表现手法多种多样，有铅笔素描表现、水粉表现、水彩表现、钢笔淡彩表现、马克比表现、喷绘表现、电脑辅助设计表现等等。其中，水彩表现方法生动、明快；水粉表现方法厚重、立体感强；钢笔淡彩表现方法快捷、方便；喷绘表现方法细腻、真实。各种表现手法各具特色,但他们都依据与素描、色彩、透视、构图等绘画知识，是具科学性，具象性的专业绘画形式。装饰设计表现图是基于其它绘画形式基础之上的，但有区别于渌值幕婊问剑Ｄ獯ㄉ柚械慕ㄖ占涑叨取⑽锾逶煨巍⒒肪称铡⒉闹始±淼鹊龋虼耍嬷票硐滞加σ曰婊砺壑段谰荩擞没婊幕竟鄄旆椒ㄋ鄄斓降奈锾逶诓煌庹丈湎挛锾宀男蜗蟆⑸实纫蛩兀帽硐滞加胧导手械男蜗笪呛掀鹄矗够嬷斜硐值拇ㄖ占渚哂惺导士占渌韵殖隼吹男巍⑸馐且桓龃尤鲜兜矫枘〉郊且湓俚皆傧值墓獭Ｒ虼耍莆毡硐滞技挤ǎ捅匦胗泻芮康淖ㄒ倒鄄炷芰突婊泶锬芰Α?/P>
作为装饰效果表现图它的具体特点是:
准确性
就是表现的效果必须符合建筑装饰设计的造型要求如建筑空间。体量的比例、尺度、结构、构造等。准确性是表现图的生命线，绝不能脱离实际的尺寸而随心所欲的改变形体和空间的限定；或者完全背离客观的设计内容而主观片面地追求画面的某种“艺术趣味”；或者错误地理解设计意图。表现出的效果与原设计相去甚远。准确性始终是第一的。
真实性
是指，造型表现要素符合规律，空间气氛营造真实，形体光影、色彩的处理遵从透视学和色彩学的基本规律与规范。灯光色彩、绿化及人物点缀诸方面也都必须符合设计师所设计的效果和气氛。
说明性
能明确表示室内外建筑材料的质感、色彩、植物特点、家具风格、灯具位置造型、饰物出处等。
艺术性
一幅建筑表现图的艺术魅力必须建立在真实性和科学性的基础之上，也必须建立在造型艺术严格的基本功训练的基础上。绘画方面的素描、色彩训练，构图知识，质感、光感调子的表现，空间气氛的营造，点、线、面构成规律的运用，视觉图形的感受等方法与技巧必然增强表现图的艺术感染力。在真实的前提下合理地适度夸张、概括与取舍也是必要的。罗列所有的细节只能给人以繁杂，不分主次的面面俱到只能给人以平淡。选择最佳的表现角度、最佳的光线配置、最佳的环境气氛，本身就是一种创造，也是设计自身的进一步深化。
一幅表现图艺术性的强弱，取决于画者本人的艺术素养与气质。不同手法、技巧与风格的表现图，充分展示作者的个性，每个画者都以自已的灵性、感受去认读所有的设计图纸，然后用自已的艺术语言去阐释、表现设计的效果，这就使一般性、程式化并有所制约的设计施工图赋予了感人的艺术魅力。
目前，在室内设计效果图领域主要有以下几种常用技法。
手绘：水粉表现技法、丙稀表现技法、颜色铅笔表现技法、水彩表现技法、钢笔淡彩表现技法、透明照相色表现技法、马克笔表现技法。
喷绘：喷笔表现技法
电脑：电脑绘画表现技法
构成室内设计效果图的基本要素是设计的立意构思、透视造型的准确、明暗色彩、构图布局的完美结合。
设计思路
正确地把握设计的立意与构思，深刻领会设计意图是学习表现图技法的首要着眼点。为此，必须把提高自身的专业理论知识和文化艺术修养，培养创造思维能力和深刻的理解能力作为重要的培训目的贯穿学习的始终。
透视造形
设计构思是通过画面艺术形象来体现的。而形象在画面上的位置、大小、比例、方向的表现是建立在科学的透视规律基础上的。违背透视规律的形体与人的视觉平衡格格不入，画面就会失真，也就失去了美感的基础。因而，必须掌握透视规律，并应用其法则处理好各种形象，使画面的形体结构准确、真实、严谨、稳定。
除了对透视法则的熟知与运用之外，还必须学会用结构分析的方法来对待每个形体内在构成关系和各个形体之间的空间联系，学习对形体结构分析的方法要依赖结构素描的训练。
明暗色彩
在透视关系准确的骨骼上赋予恰当的明暗与色彩，可完整体现一个具有真实性和艺术性的形体。人们就是从这些色彩与明暗中感受到形体与空间的存在。作为训练的课题，要注重“色彩构成”与“物体色彩空间变化规律”的学习和掌握。
构图布局
构图是任何绘画开式都不可缺少的最初表现阶段，装饰设计表现图当然也不例外，所谓的构图就是把众多的造成型要素在画面上有机的结合起来，并按照设计所需要的主题，合理地按排在画面中适当的位置上，形成既对立又统一的画面，以达到视觉心理上的平衡。

送给准备学习手绘的你

做为设计师来说，手绘的重要性，越来越得到了大家的认同！因为手绘是设计师表达情感、表达设计理念、表诉方案结果的最直接的“视觉语言”！ 送大家两句话： 一是，手绘是最容易学的。 因为任何一门学科都有其自身的规律性，抓住规律性，才是学习的根本，手绘真的不难，其实就是四个字“比例、透视”。 要说的第二句话是，手绘是最难学的。之所以说难，是因为手绘的基本元素只有一个——线。作家是*写字生活的，写的每一个字都是字典里有的。人人都会写字，但真正成为作家的还是寥寥无几——每个人都会画线，但画出来的结果却大相径庭——有些人的线是僵硬的死板的，有些人的线即准确又充满“灵性”，处处闪动着手绘线条的美感；
我说：“手绘是最容易学的，手绘是最难学的！”"手绘"的提高,不是"一朝一夕"就可以学好的,除了勤奋和努力之外,是没任何"灵丹妙药"的!要想学好手绘这门学科，还是要先打好基础，基础是关键，要学会“走”并要走得“稳”，然后再去想“跑”想“飞”—— 还有许多学生问：我也天天在画，为什么总画不好（或没感觉）？ 大路老师有一句十分经典的话，说的很准确：原因有两点：一是没用“心”去画，二是画的数量不够！ 我很赞同大路的话。
首先，你必须懂得每一种做图的原理和方法，如果你把原理搞懂了，画完A3，A4的复印纸各一包，能有2/3可以拿出来给别人看而自己不脸红的时候，你未来的路也就宽了——虽然和大路说的角度不同，但意思是完全一样的—— 那么，什么是手绘？它的真正意义又是什么？ 手绘，个人的理解是：通过手工绘画完成某种结果的绘制过程。是一个过程。 我们现在通常所讲的“手绘”实际上是一种简化了的概念化语言。“室内设计建筑手绘”是一个大的概念！ “手绘”可以划分为两个部分：传统手绘和现代手绘。把现代手绘定位在“现代室内设计实用手绘”上。 划分的目的，是便于理解，便于掌握，便于有针对性的学习！因为两者的表达方式、表达工具、色彩应用都完全的不同了（关键是画图的时间），“传统手绘”讲究的是：准确、细致、全面、完整！ “现代手绘”讲求的是：精炼、简洁、快速、生动！ “现代手绘”必须以“传统手绘”做基础！那是我们“起跑”和“腾飞”的基石——- 万丈高楼平地起。
打好一个坚实的基础，是我们做任何事情的首要条件。这样的道理，人人都懂得！但真正的领悟并做到的却不是很多。谁都希望在很短的时间内取得成功，实现自己的计划，达到自己所希望的目标！然而，“浮躁”的情绪，“好高务远”“急功近利”的做法，又是我们学习和生活的大忌，要想取得事业上的成功必须扎扎实实、一步一个脚印的前行！这就要求我们，在这次学习中必须有一个良好的心态，树立一个正确的思想观，认认真真地按照既定的教学计划去学习、去训练、去提高！ 先学会临摹，训练的方法如下：把优秀的图打印出来（A3或A4），把硫酸纸或拷贝纸覆在上面，用黑色中性笔准确画出图片上的空间结构和物体，要求线条细致、准确、完整、不添加和减少任何物体,不改变物体位置,画面干净、整洁！

马克笔的作画步骤及基本技法

马克笔的作画步骤及基本技法：1、准备 2、草图 3、正稿 4、上色 5、调整
1、准备。要想画出一幅成功的渲染图，前期的准备必不可少。马克笔的一大优势就是方便，快捷，工具也不像水彩水粉那麽复杂，有纸和笔就足够了。纸我通常用两种：一种是普通的复印纸，用来起稿画草图，另一种是硫酸纸（A3），用来描正稿和上色。硫酸纸是我非常喜欢的纸型，实践证明，马克笔在硫酸纸上的效果相当不错，优点是有合理的半透明度，也可吸收一定的颜色，可以多次叠加来达到满意的效果。复印纸等白纸类的吸收颜色太快，不利于颜色之间的过渡，画出来的往往偏重，不宜做深入刻画，只适用于草图和色练习。笔也需要两类，针管笔和马克笔。针管笔以一次性的为好，我常用红环或三菱的，备几种型号，我喜欢用0.1，0.3，0.5和0.8，有了线型的变化画面才会丰富。一次性针笔在硫酸纸上挥发性好，线条流畅，注水的针笔或钢笔画出来干的很慢，很容易蹭脏画面。马克笔我喜欢用韩国产的"TOUCH"系列，油性，120种色，有方头和圆头，价格在十圆左右，水分很足，用起来很爽。作为专业表现，颜色至少六十种以上，做景观的绿色系列要全（我们老板只给我配40支，说已经画的不错了，要那麽多干啥，贼抠，让我愤怒）。当然，马克笔也根据个人喜好而定，但最好是油性的。
2、草图。草图阶段主要解决两个问题：构图和色调，构图是一幅渲染图成功的基础，构图不重视的话，画到一半会发现毛病越来越多，大大影响作画的心情，最后效果自然废废啦。构图阶段需要注意的有透视，确定主体，形成趣味中心，各物体之间的比例关系，还有配景和主体的比重等等，有些复杂的空间甚至需要借助CAD来拉出透视，尽量做到准确。关于构图的基本法则很多专业书上都有详述，我就省点口水吧。
色调练习对初学者来说相当有必要，可以锻炼色彩感觉，提高整体的概念。把勾好的草图复印几个小样（A5就行），快速上完颜色，每幅20分钟左右，每幅都应有区分，或冷调，或暖调，或亮调，或灰调，不抠细节，挑出最有感染力的一幅作正稿时的参考，在这两个步骤完成后，心中对最后的效果应该有七八分的把握了。
3、正稿。在这一阶段没有太多的技巧可言，完全是基本功的体现，如何把混淆不清的线条区分开来，形成一幅主次分明，趣味性强的钢笔画。我通常从主体入手，用0.5的针笔勾勒轮廓线，用笔尽量流畅，一气呵成，切忌对线条反复描摹，然后用0.3的笔画前景的树和人物，最后用0.1的画远景。先画前面的，后画后面的，避免不同的物体轮廓线交叉，在这个过程中边勾边上明暗调子，逐渐形成整体，前景中对比，中景强对比，背景弱对比。前景的人物刻画要准确传神，动态协调，背景人物基本上可以用点和面代替。在上图中张拉膜是主体，右边的两棵树作为主体的补充，起到平衡画面的作用，再加上几组人物和宽阔的水面，形成一处宁静详和，生机盎然的住区景观。如果对明暗调子把握不准的话，可以只对主体部分做少量的刻画，剩下的由马克笔来完成，马克笔的表现力也足以主宰画面。
4、上色。上色是最关键的一步我喜欢把大部分颜色上在硫酸纸的背面，这样做一是可以降低马克笔的彩度，过于鲜艳的颜色可能使画面过“火”，大面积的灰色才能使渲染图经久耐看，另外，背面上色也不会把正稿的墨线洇开，造成画面的脏乱。以上图为例，我先从天空入手，用浅紫灰色画最远处的，然后是浅蓝灰，最上面是蓝色，画天空时不要太多的停顿，几种色之间的衔接要快，迅速溶到一起，并在适当的地方留出云形，笔触不能太强，以免呆板。天空在画面中占三分之一还多，作为补充，不宜过多刻画，避免喧宾夺主。初学者如果没把握的话，可先用描图纸多作几幅单独的天空块，挑最有感觉的用到正图上去。接下来是水面，颜色尽量和天空保持一致，可以再稍灰些，然后再上树木的颜色，背景的冷灰，偏蓝绿，对比弱，分出明暗就可以了，前面的偏暖，对比强，有一定的细节，颜色更加丰富。地面和草地的颜色上完，画面气氛基本形成，下一步就要做深入刻画，浅浅的一层颜色并不能表现出物体光影，明暗，材质的变化，这就需要不停的叠加来达到更佳的效果，硫酸纸将显示出优势，在这一过程中，我开始利用正面刻画一些需要重点表现的地方，如主体构筑物，前景人物，石头，在画膜结构时我有意把后面的树木画暗些，衬托出来，用重色刻画暗部和阴影，几次重叠以后，预想的效果基本就达到了。这一过程也是经验积累的过程，哪些颜色叠加到一起能产生好的效果必须要记住，随时做记录，以便下次画相同的场景时驾轻就熟，事半功倍，很多颜色忌重叠，如补色，很容易画脏画乱，不好修改。
一个基本的原则是由浅入深，一开始往死里整，修改起来将变得困难，在作画过程中时刻把整体放在第一位，不要对局部过度着迷，忽略整体，后果将惨不忍睹，“过犹不及”应该牢记。
必须值得注意的是，上色过程并不是要把树画的多绿，水画的多蓝，也不是说笔法用的多漂亮，潇洒，重要的是画关系，明暗关系，冷暖关系，虚实关系，这些才是主宰画面的灵魂，大自然的一切受着环境的影响，并不是孤立存在，关系没画准，只能说是一堆颜色的堆砌，而不能称为一幅成功的渲染图，对比是画准这些关系的手段。在画的过程中还要学会分析思考，例如我们印象中树应是绿色，实际上在光线和环境的影响下，亮部可能偏黄绿，暗部偏蓝绿，甚至还有一些紫色，只有小部分是本身的颜色，我们画时要把这些微妙的关系表现出来，有几次我尝试不画蓝色的水面，竟取得了意想不到的效果，细心留意现实生活中的物体，会发现许多和想象不一样的结果。
5、调整。这个阶段主要对局部做些修改，统一色调，对物体的质感做深入刻画。到这一步需要彩铅的介入，作为对马克笔的补充，彩铅修改我一般不会超过十分钟，因为彩铅和我钟爱的硫酸纸附着效果不好，只能薄薄盖一层，画多了容易发腻，反而影响效果。